Фото: надано Naturhistorisches Museum

Наша скульптура в історії мистецтва, ця крихітна фігурка заввишки трохи більше чотирьох дюймів була виявлена ​​в Австрії в 1908 році. Ніхто не знає, яку функцію вона виконувала, але припущення коливаються від богині родючості до допомоги мастурбації. Деякі вчені припускають, що це міг бути автопортрет, зроблений жінкою. Це найвідоміший з багатьох подібних об’єктів, що датуються давнім кам’яним віком.

Фото: надано CC/Wiki Media/Philip Pikart

Цей портрет є символом жіночої краси з тих пір, як його вперше було знайдено в 1912 році в руїнах Амарни, столиці, побудованої найсуперечливішим фараоном в історії Стародавнього Єгипту: Ехнатоном. Життя його цариці, Нефертіті, є чимось таємничим: вважається, що вона правила як фараон протягом певного часу після смерті Ехнатона — або, більш вірогідно, як співправитель хлопчика-короля Тутанхамона. Деякі єгиптологи вважають, що вона насправді була матір'ю Тута. Вважається, що цей вапняковий бюст із ліпним покриттям є роботою рук Тутмоса, придворного скульптора Ехнатона.

Фото: надано CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Теракотова армія, виявлена ​​в 1974 році, являє собою величезне сховище глиняних статуй, похованих у трьох масивних ямах біля гробниці Ши Хуан, першого імператора Китаю, який помер у 210 році до нашої ери. Армія, покликана захистити його в загробному житті, за деякими оцінками, налічує понад 8000 солдатів разом із 670 конями та 130 колісницями. Кожен у натуральну величину, хоча фактичний зріст залежить від військового звання.

Фото: надано CC/Wiki Media/LivioAndronico

Мабуть, найвідоміша скульптура римської античності,Лаокоон і його синибув спочатку розкопаний у Римі в 1506 році та переміщений до Ватикану, де він перебуває донині. Він заснований на міфі про троянського жерця, убитого разом зі своїми синами морськими зміями, посланими богом моря Посейдоном як відплата за спробу Лаокоона викрити хитрість Троянського коня. Спочатку встановлена ​​в палаці імператора Тита, ця фігурна група в натуральну величину, яку приписують тріо грецьких скульпторів з острова Родос, не має собі рівних як дослідження людських страждань.

Фото: надано CC/Wikimedia/Livioandronico2013

«Давид» Мікеланджело, один із найвідоміших творів у всій історії мистецтва, бере свій початок у великому проекті прикраси контрфорсів великого собору Флоренції, Дуомо, групою фігур, взятих із Старого Завіту. TheДевідбув одним із них, і його фактично розпочав у 1464 році Агостіно ді Дуччо. Протягом наступних двох років Агостіно зумів обробити частину величезної мармурової брили, витесаної у знаменитому кар’єрі в Каррарі, перш ніж зупинитися в 1466 році. (Ніхто не знає чому). Інший художник підняв слабину, але він теж працював над цим коротко. Мармур залишався недоторканим протягом наступних 25 років, поки Мікеланджело не відновив його різьблення в 1501 році. На той час йому було 26 років. Коли Давид був закінчений, він важив шість тонн, тобто його не можна було підняти на дах собору. Натомість його виставили біля входу в Палаццо Веккіо, ратушу Флоренції. Фігура, одна з найчистіших дистиляцій стилю Високого Відродження, була негайно сприйнята флорентійською публікою як символ власного опору міста-держави проти влади, яка протистояла йому. У 1873 роціДевідбуло перенесено до галереї Accademia, а копію встановлено на її початковому місці.

Фото: надано CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Джан Лоренцо Берніні, визнаний засновником стилю високого римського бароко, створив цей шедевр для каплиці в церкві Санта-Марія-делла-Вітторія. Бароко було нерозривно пов’язане з Контрреформацією, за допомогою якої католицька церква намагалася зупинити хвилю протестантизму, що нахлинула на Європу XVII століття. Твори мистецтва, подібні до творів Берніні, були частиною програми підтвердження папської догми, чому тут добре послужив геній Берніні, який наповнював релігійні сцени драматичними оповіданнями.Екстазіє конкретним прикладом: її тема — свята Тереза ​​Авільська, іспанська кармелітка-монахиня та містичка, яка писала про свою зустріч з ангелом — зображена саме тоді, коли ангел збирається встромити стрілу в її серце.ЕкстазіЕротичний підтекст безпомилковий, найочевидніший у вираженні оргазму черниці та звиваючійся тканині, що огортає обидві фігури. Будучи архітектором і художником, Берніні також розробив обстановку каплиці з мармуру, штукатурки та фарби.

Фото: надано Метрополітен-музеєм/Фондом Флетчера

Італійський художник Антоніо Канова (1757–1822) вважається найбільшим скульптором XVIII століття. Його роботи втілювали неокласичний стиль, як ви можете бачити в його виконанні в мармурі грецького міфічного героя Персея. Насправді Канова зробив дві версії твору: одна зберігається у Ватикані в Римі, а інша стоїть у Європейському дворі скульптур Метрополітен-музею.

Фото: Метрополітен-музей

Хоча майстер-імпресіоніст Едгар Дега найбільш відомий як художник, він також працював у скульптурі, створивши, мабуть, найрадикальнішу спробу в його творчості. Виготовив ДегаМаленький чотирнадцятирічний танцюристз воску (з якого наступні бронзові копії були відлиті після його смерті в 1917 році), але той факт, що Дега одягнув свою однойменну фігуру в справжній балетний костюм (доповнений ліфом, пачкою та тапочками) і перуку зі справжнього волосся, викликав сенсацію, колиТанцівницядебютував на Шостій виставці імпресіоністів 1881 року в Парижі. Дега вирішив покрити більшість своїх прикрас воском, щоб відповідати решті рис дівчини, але він залишив пачку, а також стрічку, що зав’язувала її волосся, як вони були, що зробило фігуру одним із перших прикладів знайденого об’єкта. ст.Танцівницябула єдиною скульптурою, яку Дега виставляв за життя; після його смерті було знайдено ще близько 156 екземплярів, які нудилися в його майстерні.

Фото: надано Музеєм мистецтв Філадельфії

Тоді як у більшості людей асоціюється великий французький скульптор Огюст РоденМислитель, цей ансамбль, присвячений інциденту під час Столітньої війни (1337–1453) між Британією та Францією, є більш важливим для історії скульптури. Замовлено для парку в місті Кале (де було знято річну облогу англійців у 1346 році, коли шість міських старійшин віддали себе на страту в обмін на пощадлення населення),Бюргериуникав формату, типового для пам’ятників того часу: замість фігур, ізольованих або зібраних у піраміду на вершині високого п’єдесталу, Роден зібрав своїх предметів у натуральну величину прямо на землі, на одному рівні з глядачем. Цей радикальний рух до реалізму порушив героїчне ставлення до таких робіт на відкритому повітрі. сБюргери, Роден зробив один із перших кроків до сучасної скульптури.

Фото: надано CC/Flickr/Wally Gobetz

У 1912 році Пікассо створив картонний макет із твору, який мав величезний вплив на мистецтво 20-го століття. Також у колекції MoMA на ньому була зображена гітара, тема, яку Пікассо часто досліджував у живописі та колажі, і багато в чому,гітараперенесено техніку вирізання та вставлення колажу з двох вимірів у три. Те ж саме було зроблено для кубізму, зібравши плоскі форми, щоб створити багатогранну форму як з глибиною, так і з об’ємом. Інновація Пікассо полягала в тому, щоб відмовитися від традиційного різьблення та моделювання скульптури з суцільної маси. Натомістьгітарабув скріплений разом, як конструкція. Ця ідея поширилася від російського конструктивізму до мінімалізму та далі. Через два роки після створеннягітарав картоні, Пікассо створив цю версію в нарізаній жерсті

Фото: Метрополітен-музей

Від радикальних початків до остаточного фашистського втілення італійський футуризм шокував світ, але жодна робота не втілила в собі суцільне марення цього руху, ніж ця скульптура одного з його лідерів: Умберто Боччоні. Починаючи як художник, Боччоні звернувся до тривимірної роботи після поїздки 1913 року до Парижа, під час якої він відвідав майстерні кількох авангардних скульпторів того періоду, таких як Костянтин Бранкузі, Раймон Дюшан-Війон та Олександр Архипенко. Боччоні синтезував їхні ідеї в цьому динамічному шедеврі, який зображує крокуючу фігуру в «синтетичному безперервному» русі, як це описав Боччоні. Твір спочатку було створено в гіпсі та не було відлито у його звичній бронзовій версії до 1931 року, значно після смерті художника в 1916 році як члена італійського артилерійського полку під час Першої світової війни.

Фото: надано CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Бранкузі, який народився в Румунії, був одним із найважливіших скульпторів модернізму початку ХХ століття — і справді, однією з найважливіших фігур у всій історії скульптури. Своєрідний протомінімаліст, Бранкузі взяв форми з природи та впорядкував їх у абстрактні зображення. На його стиль вплинуло народне мистецтво його батьківщини, яке часто містило яскраві геометричні візерунки та стилізовані мотиви. Він також не робив різниці між об’єктом і основою, розглядаючи їх, у деяких випадках, як взаємозамінні компоненти — підхід, який являв собою вирішальний розрив зі скульптурними традиціями. Цей культовий твір є портретом його моделі та коханої, Маргіт Погані, угорської студентки мистецтв, яку він зустрів у Парижі в 1910 році. Перша ітерація була висічена з мармуру, а потім була гіпсова копія, з якої була зроблена ця бронза. Сам гіпс був виставлений у Нью-Йорку на легендарному Збройовому шоу 1913 року, де критики висміяли його та поставили на стовп. Але це також був найбільш відтворюваний твір у шоу. Бранкузі працював над різними версіямиMlle Poganyза якихось 20 років.

Фото: надано Музеєм сучасного мистецтва

Велосипедне колесовважається першим із революційних редімейдів Дюшана. Однак, коли він закінчив твір у своїй паризькій студії, він дійсно не мав уявлення, як його назвати. «Мені прийшла в голову щаслива ідея прикріпити велосипедне колесо до кухонного табурета й спостерігати, як воно обертається», — скаже пізніше Дюшан. Дюшану знадобилася поїздка до Нью-Йорка в 1915 році та знайомство з великим виробництвом фабричних товарів у місті, щоб придумати термін готовий. Що ще важливіше, він почав розуміти, що створення мистецтва традиційним, ручним способом здається безглуздим в індустріальну добу. Навіщо турбуватися, стверджував він, коли широко доступні промислові предмети можуть виконати цю роботу. Для Дюшана ідея твору мистецтва була важливішою за спосіб його створення. Це поняття — можливо, перший справжній приклад концептуального мистецтва — повністю змінить історію мистецтва. Дуже схожий на звичайний предмет побуту, але оригінальнийВелосипедне колесоне зберігся: ця версія насправді є копією 1951 року.

Фото: Музей американського мистецтва Вітні, © 2019 Calder Foundation, Нью-Йорк/Товариство прав художників (ARS), Нью-Йорк

Улюблений предмет постійної колекції музею Вітні,Цирк Колдеравиділяє грайливу сутність, яку Олександр Колдер (1898–1976) втілив у життя як художник, який допоміг сформувати скульптуру 20-го століття.Цирк, який був створений під час перебування художника в Парижі, був менш абстрактним, ніж його підвісні «мобілі», але по-своєму він був таким же кінетичним: виготовлений переважно з дроту та дерева,Циркслугував центральним елементом для імпровізаційних виступів, у яких Колдер рухався навколо різних фігур, що зображували викривлювачів, ковтачів мечів, приборкувачів левів тощо, як божественний капітан.

Фото: надано Музеєм Дж. Пола Гетті

Як художника та дизайнера гобеленів, а також як скульптора, французького художника Арістіда Майоля (1861–1944) найкраще можна охарактеризувати як сучасного неокласициста, який використав традиційну греко-римську скульптуру в стилі 20-го століття. Його також можна назвати радикальним консерватором, хоча слід пам’ятати, що навіть сучасники авангарду, такі як Пікассо, створювали роботи в адаптації неокласичного стилю після Першої світової війни. Темою Майоля була жіноча оголена, а вL'Air, він створив контраст між матеріальною масою свого об’єкта та тим, як вона, здається, ширяє в просторі, врівноважуючи, так би мовити, непомірну тілесність з минущою присутністю.

Фото: надано CC/Flickr/C-Monster

Японська художниця, яка працює в різних середовищах, Кусама приїхала до Нью-Йорка в 1957 році, повернувшись до Японії в 1972 році. Тим часом вона зарекомендувала себе як головна фігура сцени в центрі міста, мистецтво якої торкалося багатьох основ, зокрема поп-арту, мінімалізму. та мистецтво виконання. Будучи художницею, яка часто зверталася до жіночої сексуальності, вона також була попередницею феміністського мистецтва. Роботи Кусами часто характеризуються галюциногенними патернами та повтореннями форм, схильністю, яка вкорінена в певних психологічних станах — галюцинаціях, ОКР, якими вона страждала з дитинства. Усі ці аспекти мистецтва та життя Кусуми відображені в цій роботі, де звичайне м’яке м’яке крісло набридло потопає в спалаху фалічних виступів із зшитої набивної тканини, схожих на чуму.

Фото: Музей американського мистецтва Вітні, Нью-Йорк, © 2019 Estate of Marisol/ Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Марісоль Ескобар (1930–2016), відома просто під своїм ім’ям, народилася в Парижі в сім’ї венесуельців. Як художниця вона стала асоціюватися з поп-артом, а пізніше з оп-артом, хоча стилістично вона не належала до жодної групи. Замість цього вона створила образні картини, які мали на увазі феміністську сатиру про гендерні ролі, знаменитості та багатство. вЖінки і собакавона бере на себе об’єктивацію жінок і те, як нав’язані чоловіками стандарти жіночності використовуються, щоб змусити їх відповідати.

Фото: надано CC/Flickr/Rocor

Скринька Брілло, мабуть, найвідоміша з серії скульптурних робіт Уоргола, створених у середині 60-х років, які фактично перевели його дослідження поп-культури в три виміри. Відповідно до назви, яку Воргол дав своїй студії — «Фабрика» — художник найняв теслів, щоб вони працювали на своєрідній конвеєрі, збиваючи докупи дерев’яні коробки у формі картонних коробок для різних продуктів, зокрема кетчупу Хайнца, кукурудзяних пластівців Келлога та супу Кемпбелл. добре мильні подушечки Brillo. Потім він пофарбував кожну коробку в колір, який відповідав оригіналу (білий у випадку Brillo), перш ніж додати назву продукту та логотип на шовкографії. Створені в кількох коробках, вони часто демонструвалися великими стосами, фактично перетворюючи будь-яку галерею, у якій вони були, на висококультурну копію складу. Їхня форма та серійне виробництво, мабуть, були реверансом або пародією на мінімалістичний стиль, який тоді зароджувався. Але справжня сутьКоробка Brilloце те, як його близьке наближення до реального руйнує мистецькі умовності, натякаючи на те, що немає реальної різниці між промисловими товарами та роботою з майстерні художника.

Фото: надано CC/Flickr/Esther Westerveld

Ім’я Дональда Джадда є синонімом мінімального мистецтва, руху середини 60-х років, який перевів раціоналістичну тенденцію модернізму до основних речей. Для Джадда скульптура означала артикуляцію конкретної присутності твору в просторі. Цю ідею описували терміном «специфічний об’єкт», і хоча інші мінімалісти сприйняли її, Джадд, мабуть, дав їй найчистіше вираження, прийнявши коробку як свою фірмову форму. Як і Уоргол, він виготовляв їх як повторювані одиниці, використовуючи матеріали та методи, запозичені з промислового виготовлення. На відміну від банок супу Воргола та Мерилін, мистецтво Джадда не посилалося ні на що поза собою. Його «стоси» є одними з його найвідоміших творів. Кожна складається з групи однакових неглибоких ящиків із оцинкованого листового металу, які виступають із стіни, створюючи колону з рівномірно розташованих елементів. Але Джадд, який починав як маляр, цікавився кольором і текстурою так само, як і формою, про що свідчить зелений лак для кузова автомобіля, нанесений на передню поверхню кожної коробки. Взаємодія кольору та матеріалу Джадда даєБез назви (стос)вибаглива елегантність, яка пом'якшує його абстрактний абсолютизм.

Фото: надано CC/Flickr/Rocor

Як і Бенгліс, Гессе була художницею, яка фільтрувала постмінімалізм крізь, можливо, феміністичну призму. Єврейка, яка втекла з нацистської Німеччини в дитинстві, вона досліджувала органічні форми, створюючи предмети з промислового скловолокна, латексу та мотузки, які нагадували шкіру чи плоть, статеві органи та інші частини тіла. Враховуючи її походження, спокусливо знайти в таких роботах, як ця, приховану течію травми чи тривоги.

Фото: надано Музеєм сучасного мистецтва

Слідом за Джаддом і Флавіном група художників відійшла від естетики мінімалізму чистих ліній. Як частина цього постмінімалістичного покоління Річард Серра помістив концепцію конкретного об’єкта на стероїди, значно збільшивши його масштаб і вагу, і зробивши закони гравітації невід’ємною частиною цієї ідеї. Він створював хиткі баланси зі сталевих або свинцевих пластин і труб вагою в тонни, що створювало відчуття загрози твору. (Двічі такелажники, які встановлювали деталі Serra, були вбиті або покалічені, коли робота випадково обрушилася.) В останні десятиліття робота Serra прийняла криволінійне вдосконалення, що зробило її надзвичайно популярною, але на початку роботи, такі як One Ton Prop (House of Cards), який містить чотири свинцеві пластини, прихилені одна до одної, висловив свої занепокоєння з брутальною прямотою.

Фото: надано CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Дотримуючись загальної контркультурної тенденції 1960-х і 1970-х років, художники почали повставати проти комерціалізму світу галерей, розвиваючи радикально нові форми мистецтва, такі як земляні роботи. Також відомий як ленд-арт, провідною фігурою жанру був Роберт Смітсон (1938–1973), який разом із такими художниками, як Майкл Хейзер, Уолтер Де Марія та Джеймс Террел, вирушив у пустелі Західних Сполучених Штатів, щоб створити монументальні роботи, які діяли узгоджено з оточенням. Цей підхід до конкретної ділянки, як його почали називати, часто використовував матеріали, взяті безпосередньо з ландшафту. Такий випадок зі СмітсономСпіральна пристань, яка впадає у Велике Солоне озеро Юти від Розел-Пойнт на північно-східному березі озера. Виготовлений із грязі, кристалів солі та базальту, видобутого на місці,Спіральні міри Jetty1500 на 15 футів. Він був занурений під воду десятиліттями, поки посуха на початку 2000-х не вивела його на поверхню. У 2017 роціСпіральна пристаньбув названий офіційним витвором мистецтва штату Юта.

Фото: надано CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Фірмова робота художника французького походження,Павукбула створена в середині 1990-х років, коли Буржуа (1911-2010) було вже за вісімдесят. Він існує в численних версіях різного масштабу, включаючи деякі монументальні.Павукмається на увазі як данина пам'яті матері художника, реставраторці гобеленів (звідси натяк на схильність павукоподібних плести павутину).

Shutterstock

Лауреат престижної Премії Тернера 1994 року, Ентоні Гормлі є одним із найвідоміших сучасних скульпторів Великобританії, але він також відомий у всьому світі своїм унікальним поглядом на фігуративне мистецтво, яке базується на різноманітних масштабах і стилях, здебільшого за тим самим шаблоном: зліпок власного тіла художника. Це стосується цього величезного крилатого монумента, розташованого поблизу міста Гейтсхед на північному сході Англії. Розташований вздовж великої магістралі,Ангелзлітає до 66 футів у висоту та охоплює 177 футів у ширину від кінчика до кінчика крила. За словами Гормлі, робота покликана стати своєрідним символічним маркером між індустріальним минулим Великобританії (скульптура розташована у вугільній країні Англії, серці промислової революції) та її постіндустріальним майбутнім.

Надано CC/Flickr/Richard Howe

Жителі Чикаго ніжно називають «Біб» за його вигнуту еліпсоїдну форму,Хмарні ворота, центр громадського мистецтва Аніша Капура для Міленіум-парку Другого міста, є одночасно твором мистецтва та архітектурою, забезпечуючи готову до Instagram арку для недільних колясок та інших відвідувачів парку. Виготовлений із дзеркальної сталі,Хмарні воротаВідбиваюча здатність і масштабність веселого будинку роблять його найвідомішим твором Капура.

З дозволу художника та Грін Нафталі, Нью-Йорк

Роботи Рейчел Гаррісон поєднують у собі неперевершений формалізм і вміння наповнювати, здавалося б, абстрактні елементи багатьма значеннями, включно з політичними. Вона гостро ставить під сумнів монументальність і пов’язану з нею чоловічу прерогативу. Харрісон створює основну частину своїх скульптур, укладаючи та розташовуючи блоки або плити пінополістиролу, а потім покриваючи їх поєднанням цементу та живописних елементів. Вишенька на вершині - це якийсь знайдений об'єкт, окремо або в поєднанні з іншими. Яскравим прикладом є цей манекен на вершині витягнутої, забризканої фарбою форми. У накидці та масці Авраама Лінкольна, повернутій назад, ця робота демонструє теорію історії великої людини, яка згадує завойовника Стародавнього світу, який стоїть на скелі кольору клоуна..